María Eugenia Rojo Mas

Personal de Investigación en Formación del Depto. de Historia del Arte de la Universitat de València.

 

Este blog forma parte de un proyecto educativo más amplio, “The Sky over Nine Columns”, en torno a la obra de Heinz Mack, organizado por el Museo de las Ciencias “Príncipe Felipe” en la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia. Comienza en junio de 2016 y culmina en junio de 2017. Cuenta con la participación de los siguientes centros:

– IES “La Vall de Segó” Benifairó de Les Valls Grup (1º ESO 12-13 años), a cargo del Porf. Dr. Vicente Pla Vivas.

– Colegio Virgen de los Desamparados de Nazaret, alumnos de Educación Plástica, Visual y Audiovisual (2º ESO, 13-14 años), a cargo de la Prof. Carmen Úbeda Cloquell.

– Laboratorio de Luz. Alumnos de Grado de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València, a cargo dela Prof. Dra. Trinidad Gracia Bensa.

– Asignatura “Introducción a la Historia del Arte” de 1º de Historia del Arte de la Universitat de València, a cargo de la Prof. Dra. Mireia Ferrer Álvarez.

– Este grupo está formado por: Laura Gómez Miró, Victoria Herrera Lluch, Jara López Morales, Odeta Miruna Maruntelu, Nohemi Serrano Salom y Víctor Teruel Rubio, alumnos de la asignatura “Arte Actual” del programa del 4º Curso de Grado en Historia del Arte (Prof. Titular: Dra. Xesqui Castañer López), bajo la tutoría de la doctoranda María Eugenia Rojo Mas.

El objetivo de los tutores consiste en emplear una estrategia conjunta para elaborar un proyecto educativo adaptado a distintos niveles, asociado a la exposición “The Sky over Nine Columns” del artista alemán Heinz Mack (1931, Lollar, Hesse). Esta fue inaugurada el 24 de junio de 2016 y la pieza permaneció en el Lago Sur del Hemisfèric hasta el 6 de noviembre. La metodología de enseñanza/aprendizaje escogida se denomina Project-Based Learning o Aprendizaje Basado en Proyectos, además de ir acompañado por el sistema de educación multidisciplinar STEAM (Science, Technology, Engineering, Art and Maths). El planteamiento de la investigación parte del coordinador global del proyecto y responsable de didáctica del Depto. de Divulgación del citado museo, José Antonio Gordillo Martorell, consiste en:

• Establecer una interacción con la metodología científica.
• Abordar la obra de arte como exploración y como investigación.
• Concebir la figura del artista como investigador y no sólo como representador de la realidad.

 

Objetivos generales

A partir de este planteamiento, la tutora de este grupo plantea las siguientes metas para los alumnos:

• Adquirir conocimientos, habilidades y estrategias para la investigación, difusión y divulgación en tres ámbitos diferentes: el académico, el de enseñanza secundaria, el del público del museo.
• Alcanzar la coordinación y colaboración por parte de todos los miembros del equipo para la toma de decisiones que resulten adecuadas a cada contexto y realistas en cuanto al tiempo.
• Estimular el pensamiento creativo y lógico, así como las capacidades propias y del grupo para asumir el reto y hallar la solución a problemas que puedan surgir a lo largo del desarrollo del plan de trabajo.
• Reconocer las capacidades y habilidades individuales que puedan ser útiles al grupo y al progreso del proyecto.

 

Ejecución del proyecto

La labor se ha organizado en dos fases:

1.- Recopilación de información y redacción. El contenido propuesto se centra en la pieza de Heinz Mack, el propio artista, su contexto y su biografía, a partir de tres ejes: obra-ciencia, obra-historia del arte, obra-público (recepción y percepción a través de encuestas).

2.- Difusión y divulgación de los resultados a tres ámbitos diferentes (tres discursos):

ACADÉMICO

– Manejo de fuentes y literatura artística adecuada en la fase heurística.

– Elaboración de una entrevista dirigida al artista para rellenar lagunas que no puedan cubrir las fuentes o la literatura artística empleada.

– Elaboración de encuestas a los visitantes del museo.

– Presentación de resultados ante los alumnos de la clase de 4º Grado de Historia del Arte, para incorporar mejoras, resolver dudas y asimilar nuevos interrogantes.

– Redacción de un blog con los resultados de la investigación en el marco de la Universitat de València y conforme a las normas académicas (fase hermenéutica).

Objetivos específicos: Gestión de literatura artística y fuentes en la lengua materna y en otros idiomas. Desarrollo de habilidades para la redacción de contenido en formato académico, a saber: adecuación del registro lingüístico, empleo de vocabulario específico de la Historia del Arte y de otros ámbitos científicos, aplicación de las normas de referencia, ética y rigurosidad en la citación. Práctica de discurso oral ante público que conoce la materia. Aprendizaje de las formas de elaboración de encuestas al público y entrevista al artista.

ENSEÑANZA SECUNDARIA

– Reunión con Carmen Úbeda, profesora de Educación Plástica, Visual y Audiovisual en el Colegio Virgen de los Desamparados de Nazaret para conocer el espacio y las características de los alumnos.

– Preparación de material y selección de estrategias e información relevante para la ejecución del taller en la clase.

– Presentación oral de los resultados de la investigación ante los alumnos (edades entre 13 y 14 años), de diferentes orígenes culturales y socio-económicos, algunos de ellos con diversidad funcional (problemas de visión o dificultades de aprendizaje). Se trata de un colegio concertado que cuenta con diecinueve nacionalidades diferentes. En el aula de la Prof. Carmen Úbeda hay alumnos de Argelia, Ecuador, Pakistán, Rumania y Nigeria, así como otros valencianos, de los cuales, la gran mayoría, excepto tres, pertenecen a la comunidad gitana.

– Reunión con Vicente Pla Vivas, profesor de 1º de ESO (edades entre 12 y 13 años) del IES “La Vall de Segó” Benifairó de Les Valls Grup, para consultar las características del grupo.

– Presentación oral del proyecto ante los alumnos en la Facultad de Geografía e Historia de la Universitat de València.

Objetivos específicos: Asimilar los recursos de divulgación del conocimiento. Tener en cuenta las particularidades del público específico al que va dirigido el discurso, en este caso, dos grupos con necesidades y capacidades diferentes. Introducirse en la práctica docente de enseñanza secundaria.

MUSEÍSTICO

– Elaboración de un vídeo que resuma los hitos más relevantes del trabajo realizado. Se incorpora una animación y levantamiento 3D realizada a partir de fotografías (programa Autocad), así como una presentación visual de los aspectos más destacados de la obra conforme a los tres ejes establecidos en la primera fase.

Objetivos específicos: Aprender a diseñar un formato de divulgación en el ámbito museístico, pensado para un amplio público. Captar fotografías de la obra de forma profesional. Manejar tecnología y herramientas digitales para el traslado del conocimiento histórico-artístico. Ser capaz de resumir de forma muy escueta todo lo investigado y elaborado en el blog.

 

Plan de trabajo

Septiembre

• Reuniones para exponer la propuesta y lluvia de ideas.
• Los alumnos deben organizarse, aportar ideas y distribuir la labor de manera sistematizada y coordinada. Esta y todas las fases han de contar con el asesoramiento y orientación individual y grupal por parte de la tutora y de los que participan en el proyecto.

Octubre-marzo

• Realización de fotografías, encuestas y entrevista al artista.
• Recopilación de datos, fuentes y literatura artística.
• Redacción del borrador para el blog.
• Reuniones de coordinación y orientación de grupo con y sin la tutora.
• Presentación ante la clase de 4º de la asignatura “Arte Actual”.
• Levantamiento 3D de la obra en Autocad y comienzo del diseño del vídeo.

Marzo-mayo

• Revisión de los artículos por parte de la tutora.
• Lectura y autocorrección por parte de cada integrante (de su propio trabajo y el de los compañeros).
• Edición de textos y selección de imágenes para el blog.
• Elaboración de exposiciones para los alumnos de secundaria y reunión para ofrecer las propuestas a sus profesores. Presentación ante los alumnos del IES “La Vall de Segó” Benifairó de Les Valls Grup (5 de mayo de 2017, en la Facultat de Geografía e Historia de la Universitat de València).

 

• Visita y presentación en el Colegio Virgen de los Desamparados de Nazaret (9 de mayo de 2017).

 

• Realización del vídeo.
• El 7 de junio el proyecto ha de estar concluido, a falta de fecha de la exposición en el museo.

Junio

• Posible presentación y exposición del proyecto y del vídeo en el museo.
• Presentación de la memoria final al museo por parte de la tutora.

Laura Goméz Miró

Jara Lopéz Morales

Graduadas en Historia del Arte de la Universitat de València

 

Una de las labores que hemos desempeñado dentro del proyecto ha sido la divulgación en centros de enseñanza secundaria. Estos fueron: el IES “La Vall de Segó” Benifairó de Les Valls, de 1º ESO, con edades comprendidas entre 12 y 13 años, a cargo del Prof. Dr. Vicente Pla Vivas, el día 5 de mayo del 2017; y el Colegio Virgen de los Desamparados de Nazaret, alumnos de Educación Plástica, Visual y Audiovisual, cursando 2º ESO, de 13 y 14 años, tutelado por la Prof. Carmen Úbeda Cloquell, el día 9 de mayo del mismo año.

La intención de esta actividad ha consistido en presentar a ambos grupos la obra de Heinz Mack, sus características y significado. Para ello, nos hemos servido de la definición del arte contemporáneo y sus distintas manifestaciones. Así pues, la finalidad radica en transmitir una visión global al respecto.

La metodología que hemos desarrollado se centra en la presentación consecutiva de recursos visuales llamativos y ejemplos para conseguir estimular a los alumnos y despertar su interés. Todo ello se efectúa a través de la idea socrática que consiste en un diálogo constante mediante el planteamiento de preguntas y respuestas. De este modo, se impulsa la participación y los alumnos consiguen llegar a determinadas conclusiones por sus propios medios.

La experiencia ha tenido lugar en dos entornos diferentes, a saber, un aula de la Facultat de Geografia i Història de la Universitat de València y en el interior de uno de los centros de educación secundaria. Todo ello ha repercutido en la atención y predisposición de los estudiantes ante una sesión que duraba alrededor de una hora y media. Hay que considerar que normalmente una clase se extiende entorno a los cuarenta y cinco minutos. Con todo, el interés se mantuvo constante por encima de nuestras expectativas.

Paralelamente, los conceptos que se desarrollaron a lo largo de las dos presentaciones variaron en función a los conocimientos previos dentro de sus programas de formación. Además, modificamos ciertos aspectos tras la primera exposición con la intención de mejorar la comunicación y algunos contenidos.

Como conclusión, se puede reconocer que la labor desempeñada ha tenido buena aceptación. De hecho, consideramos que podría servir, con algunas modificaciones, de modelo para introducir en otros centros las ideas básicas del arte contemporáneo y, concretamente, de Heinz Mack. Asimismo, desde nuestro punto de vista como estudiantes, ha resultado fructífero aprender a manejarnos fuera del ámbito académico con un discurso divulgativo ante un público lego en arte.

Para comprobar el efecto que ha tenido la intervención en nuestra joven audiencia, incorporamos a continuación los resultados de los colegios, a través de una rutina de pensamiento “antes pensaba, ahora pienso’’ con la ayuda de uno de los tutores:

Jara Lopéz Morales

Graduada en Historia del Arte de la Universitat de València.

 

Cuando un artista crea una pieza deja un pedazo de sí mismo en ella, de forma que al contemplarla se está observando también la esencia del creador. Debido a esto, para entender el arte, es necesario entender al artífice, hay que introducirse en su cabeza de forma figurada y descubrir así el porqué de su creación. En el siguiente apartado se realizará un recorrido sobre las características pictóricas y escultóricas en la trayectoria de Heinz Mack para poder comprender los fundamentos básicos de la obra The Sky over Nine Columns.

Se trata de un prestigioso pintor y escultor que lleva en activo desde mediados del siglo pasado. Nació en 1931, en Hesse, un estado federado de Alemania. Su trayectoria profesional comenzó cuando inició sus estudios en la Academia de Artes de Düsseldorf durante la década de los 50. Años más tarde, concretamente en 1956, también estudiaría filosofía en la Universidad de Colonia (1).

Gracias a su recorrido artístico, se ha convertido en un referente para el arte del siglo XX y XXI, prueba de ello es su participación en numerosos eventos artísticos, destacando la Documenta de 1959 y de 1966, así como la representación de la República Federal Alemana en la Bienal de Venecia de 1970. Este último hecho demuestra que Alemania observa a Heinz Mack como una figura esencial en el arte nacional. Esto es corroborado con el nombramiento del autor en miembro de pleno derecho en la Academia de las Artes de Berlín (1992), con la recepción de la Gran Cruz Federal del Mérito de la República Federal Alemana (2011) y con su selección como miembro de la Kunstakademie Düsseldorf de forma unánime por parte del Senado de la Academia (2015).

Fuera de Alemania también ha sido galardonado con numerosos premios, entre los cuales destaca el primer premio de artes plásticas en la IV Bienal de París (1956) y el primer premio en el concurso internacional Licht 79 de los Países Bajos (1979). Además de por su exitosa carrera artística, también es relevante en la historia del arte por ser el fundador del conocido Grupo Zero (2).

Por las razones mencionadas anteriormente, cuenta con numerosas creaciones que se exhiben en museos de arte contemporáneo tan relevantes como el MOMA de Nueva York o el Guggenheim. Resultaría casi imposible inscribir las obras de este artista en un único movimiento, por el contrario, se puede decir que recibe influencia de distintos estilos o formas de hacer el arte para crear unas piezas únicas con numerosos rasgos en común. Su creación se podría dividir en obra plástica por un lado y escultórica por otro.

Su obra plástica comenzó en 1991, desde entonces realiza lo que se ha denominado Chromatic Constellations (Constelaciones cromáticas), en las cuales crea dinamismo, movimiento y sensaciones a través de las transiciones de color compuestos en formas geométricas. Estas formas no tienen un significado simbólico, únicamente son utilizadas para dar ritmo al color. Este tipo de pinturas son producto de la vinculación luz-color, pues él observa que el color y la luz se necesitan mutuamente para variar en su tonalidad (3). Por todo ello, en algunas de sus cuadros se aprecia una única gama cromática, como es el caso Fenster der Nacht (1998), mientras que en otras juega con gamas cromáticas de diferentes colores en una misma pintura, como es el caso de Empire Couleur (2014).

Debido a esta forma de utilizar el color se puede determinar que su pintura está influenciada en gran medida por el expresionismo abstracto norteamericano, concretamente, por la vertiente denominada Color Field Painting (pintura de campos de color) (4) que consistía en la exaltación del color y la utilización de éste como método de expresión artística, para ello, el color abarcaba toda la obra (5).

Fester dan Nach (1998). Heinz Mack  http://www.benbrownfinearts.com/exhibitions/91/ overview/

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Empire Couleur (2014). Heinz Mack. http://www.benbrownfinearts.com/exhibitions/91/overview/

Este influjo se observa mejor comparando Ohne Titel (2013) de Mack y la pieza Orange, Red, Yellow (1961) de Rothko (máximo exponente de esta corriente). En ambas se aprecia el color como protagonista, este ha ocupado prácticamente toda la superficie del lienzo (6), así pues, la forma ha quedado desplazada, siendo utilizada únicamente como elemento funcional.

Ohne Titel (2013). Heinz Mack.                                                                                                                 https://www.gallery- neher.com/galerie- neher.php/cat/6/title/ K%FCnstler

Orange, Red, Yelow (1961). Rothko.                                                                                                            http://www.markr othko.org/orange- red-yellow/

Por otra parte, también tendrá una producción pictórica en la que deja de lado la utilización de las gamas cromáticas para centrarse en las tonalidades blancas y negras. Este tipo de pintura recibe influencia estética de la obra cumbre de Stella, Die Fahne Hoch! (1959), esto se explica comparando esta elaboración con Vibration (1857-1958). En ambas se puede ver como la superficie es prácticamente negra, interrumpida por unas finas líneas blancas (7), en el caso de Heinz Mack, las líneas son simplemente verticales mientras que en la de Stella es una sucesión de líneas verticales y horizontales que se unen en la parte central creando una forma cruciforme (8).

Die Fahne Hoch! (1959), Stella.                                                                                                                      https://www.wikiar t.org/en/frank- stella/die-fahne- hoch-1959

Vibration (1857-1958). Heinz Mack.                                                                                                         http://www.benbrown finearts.com/exhibitio ns/91/overview/

En relación con este tipo de realización pictórica, Heinz Mack también realiza otra mucho más cercana a su escultura, para la cual utilizará el collage de diferentes elementos como el aluminio, el acero, el vidrio o el cristal, así como técnicas y materiales bastante inusuales como las inyecciones de tinta en el papel fotográfico o el aerosol. En estas creaciones, sigue siendo el estudio de la luz su principal objetivo. Aunque ahora ya no se preocupa tanto por el vínculo luz-color como por el reflejo de la luz en los objetos. Este tipo también tendrá mucha influencia del arte óptico (9). Así pues, este arte también conocido como Op Art es una práctica artística surgida en la década de los 60 cuya principal característica es la búsqueda de ilusiones ópticas que simulen movimiento en la obra, pero sin que realmente se mueva, esto se realiza con un estudio científico de la óptica humana (10).

Vibration (1857-1958). Heinz Mack.                                                                                                       http://www.benbrown finearts.com/exhibitio ns/91/overview/

Asimismo, también juega con el espectador mostrándole movimiento en piezas completamente estáticas como es el caso de Silverrelief (1965) donde el reflejo de la luz, así como el trampantojo central simula movimiento donde no existe tal. Cabe destacar que la obra de Stella, a diferencia de la de Mack, no está pintada sobre el lienzo negro, sino que lo que se observa es el soporte.

En consecuencia, con este último tipo de producción pictórica, creará gran cantidad de esculturas e instalaciones, que muestran algunos elementos comunes, como la utilización de nuevos materiales como el vidrio y el cristal, la preocupación por el reflejo de la luz o la influencia del Op Art. Casi como una evolución del Op Art estas obras, en ocasiones, también muestran una clara influencia del arte cinético (11) de forma que se mueven, bien por un dispositivo interno o porque el desplazamiento humano las mueve. Un ejemplo de esto sería Siehst Du den Wind? (1962) que se compone de un ventilador que mueve unas cintas plateadas (12).

Siehst Du den Wind? (1962). Heinz Mack.                                                                                               https://uk.pinterest.com/pin/28105283296 8091130/

Otra característica de este tipo de producciones es que muchas de ellas se podrían denominar site-specific, es decir, están planificadas para el lugar en el que van a ser colocadas, así pues, si cambiase la localización la concepción de la obra sería totalmente diferente. Un ejemplo de ello es la pieza Great Space Arrow at Grand Erg Oriental (1976) que formaría parte del denominado Sahara Project (13). Este consiste en realizar una instalación específica para una naturaleza virgen, en este caso el desierto del Sahara. Su intención consiste en experimentar con el uso de la luz. Esto afirma el hecho de que dicha creación está concebida para el espacio en el que va a ser expuesta, pues en caso de cambiarla de lugar también cambiará cómo afecta la luz sobre ella (14).

Great Space Arrow at Grand Erg Oriental (1976). Sahara Project. Heinz Mack.                 http://www.mack- kunst.com/en/Desert-and-arctic.htm

De este último proyecto también se puede concluir que este pintor y escultor está muy influido por la corriente histórico-artística denominada Land Art. En otras palabras, se trata de una tipología de arte que surgió a finales de los 60 como una crítica a la institución artística. Su intencionalidad era llevar la obra artística a lugares naturales, haciendo que la naturaleza interactúe con la creación. De este modo, el artista consigue dominar una parte de la                 naturaleza (15).

Esto se puede observar en esta pieza de Mack, así como en otro proyecto semejante que realizó en el Ártico. En ambos creó obras como Light  Architecture  (1976),  muestra  una  escultura  realizada  para un paraje natural, consiguiendo una interacción entre arte y naturaleza. En el caso de la realizada para el Sahara, se refleja la luz del desierto. Así pues, el destello del sol se muestra en una gran flecha colocada en la arena. Por otra parte, en la Antártida, crea una escultura flotante formada por pequeños cubos semejantes a píxeles colocados a modo de iceberg que reflejan tanto la nieve como el agua de los alrededores (16).

Light Architecture (1976). Heinz Mack.                                                                                                   http://www.mack- kunst.com/en/Desert-and- arctic-2.htm

Además de este tipo de escultura creada para interactuar con la naturaleza, tiene otra escultura realizada específicamente para la ciudad, que se relaciona con el espacio urbano y con las personas que lo habitan. Este tipo de elaboración artística se denomina escultura pública (17). Una de sus mayores características es la posibilidad de acceso a la creación por parte de la población, de forma que el contacto obra-espectador es más constante y continuo que si la escultura estuviera en un museo. Creando, por tanto, una producción visible a un mayor tipo de público.

Two Light Prisms (2008) Heinz Mack.                                                                                                      http://www.mack- kunst.com/en/Art-for-the- city-2.htm

Esto también conlleva que el artífice tenga que crear pensando en la población, es decir, debe relacionarse con las personas que pasan diariamente por la calle y se topan con su producción artística. Para ello lo idóneo es crear una escultura que interactúe con el entorno en el que está inscrita. Este hecho hace que la escultura pública se halle muy relacionada  con la escultura  site-specific,  anteriormente explicada. En la obra Two Light Prisms (2008) creada para Vaduz (Liechtenstein, Alemania) se observan estas características (18). Se observa que consta de dos estelas de cristal que debido a una correcta iluminación consiguen reflejar el espacio donde está situada, de forma que se muestra como una expansión de este espacio.

Por último, se encuentra una influencia directa del minimalismo en las esculturas de Mack. Esto se observa en que una de las características propias de este arte era la repetición de elementos, lo cual es constante a lo largo del recorrido de su creación artística.   Se puede observar la reiteración de elementos en la pieza Platz der Deutschen Einheit (1986-1988). Esta escultura está inscrita en una fuente y consta de tres elementos piramidales con tamaño descendente. Cabe destacar que, aunque la influencia minimalista es clara, este escultor carece de la frialdad que ostenta este movimiento en las obras minimalistas, pues su repetición de elementos se utiliza como un juego con otros elementos dentro de la misma, como es en este caso la luz y el agua (19).

Platz der Deutschen Einheit (1986- 1988). Heinz Mack.                                                                 http://www.mack- kunst.com/en/Art-for-the-city-2.htm

The Sky over Nine Columns. Heinz Mack.                                                                                                http://www.beck- eggeling.de/en/ausstellungen/heinz- mack-valencia/

La escultura The Sky over Nine Columns muestra muchas de estas características. En primer lugar, se puede observar la reiteración de elementos propia del minimalismo, pues se compone por nueve columnas iguales. El uso de la columna es algo frecuente en las creaciones de Mack y se muestra en otras producciones suyas como en Between the Times  (2012), donde realiza una escultura a partir de seis columnas colocadas en forma circular, aunque en este caso las columnas son diferentes entre sí. Otra diferencia entre estas dos esculturas es que la primera está concebida para el exterior (20),  mientras que la segunda se coloca dentro de un museo.

Que sea una escultura al aire libre conlleva una serie de elementos presentes en otras elaboraciones artísticas creadas por él. Como es el hecho de que se trata de una escultura pública, por lo cual, debe adaptarse al entorno en el que está inscrita. Esta adaptación la realiza mediante la utilización de la luz y el agua.

Between the Times (2012). Heinz Mack.                                                                   -http://www.mack- kunst.com/en/Sculp ture-2.htm

En primer lugar, la luz de cada país en el que se encuentra es diferente, lo que conlleva que la pieza artística cambie dependiendo de su ubicación. En segundo lugar, el reflejo en el agua: una constante en la obra del artista. Está fascinado por la forma en que los elementos naturales pueden cambiar la visión de la misma, por ello la incidencia del sol en las columnas crean un reflejo en el agua que varía según la hora, el día y el lugar. Por estas dos características, la obra se adapta a su entorno, pero además también es efímera, pues tiene una parte intangible que varía. Esto se observa no solo en función de su localización, si no en función de la hora y el día en que esta se muestre.

Esta parte intangible (que dota de carácter efímero a la escultura) se crea por la luz y el agua. Estas características se pueden ver también en Lichtprismen in der Arktis (Modell für Forschungsstation) (1976), instalación que forma parte del proyecto que llevó a cabo en el Ártico y consta de una serie de elementos piramidales (de nuevo aparece aquí la reiteración de elementos), colocados suspendidos en el agua de forma que la luz se refleje en ellos creando juegos con el reflejo en el agua y en la nieve (21). En cierto modo, este mecanismo, que presenta tanto en esta obra como en The Sky over Nine Columns, recuerda Op Art que realizaba en sus cuadros plásticos, pues la incidencia del sol y su reflejo en el agua aparenta que las columnas se extienden.

Otro elemento que se observa en muchas de sus obras es el dorado, debido en parte a la capacidad reflectora de luz de este color. Así ocurre en Four Golden Columns in the Desert (1967) (22) y en la mayoría de instalaciones del Sahara Project, como se ha explicado anteriormente. Four Golden Columns in the Desert muestra muchísimas similitudes con The Sky over Nine Columns. En primer lugar, ambas están formada por una reiteración de columnas, cuatro en el caso de Four Golden Columns in The Desert y nueve en el caso de The Sky over Nine Columns. Igualmente, en ambas se muestra una gran importancia de la luz y su incidencia. La principal diferencia es que en la creada para el Sahara Project la importancia del agua se sustituye por el desierto, algo que puede parecer irónico en un principio, pero que reflexionando en profundidad se puede observar que tanto el agua como la arena tienen la misma finalidad: reflectar la luz. 

Lichtprismen in der Arktis (Modell für Forschungsstation) (1976). Heinz Mack               https://www.perrotin.com/fr/artists/Heinz_Mack/240/the-arctic-project/10000010941

Four Golden Columns in the Desert (1967). Heinz Mack.                                                   FLECK, Robert; et. al.,2014 (nota 1), p. 53

Al existir tanta relación entre estas dos últimas instalaciones y The Sky over Nine Columns, surge la cuestión de si podría considerarse Land Art. La obra varía según los elementos naturales (luz y agua), por lo que se observa una clara influencia de la corriente ya mencionada, en el sentido de dominio de la naturaleza. A pesar de ello ha estado inscrita en lugares modificados por la mano del hombre, por lo que en estas localizaciones no se puede hablar de que la producción artística sea de dicha tipología artística. Cabe decir que la última localización de la escultura, Sant Moritz, se encuentra en un paraje totalmente natural en mitad de las montañas, por lo cual aquí sí que se puede hablar de una instalación landartista total.

En conclusión, Heinz Mack es un artista multifacético que se ha visto influido por diferentes estéticas de la historia del arte y muy especialmente de las corrientes surgidas en la segunda mitad del siglo XX. Se ha servido de estos estilos con la finalidad de crear una producción que muestra un estudio científico y exhaustivo de la luz en relación con la óptica humana. De esta manera, se pueden encontrar numerosas piezas realizadas por él que utilizan elementos que le permiten realizar esto, tales como juegos visuales, superficies reflectantes o colores brillantes. Con estos recursos consigue también cautivar al espectador, el cual se siente atraído por la brillantez de sus creaciones.

 

 

1 FLECK, Robert; MASSIMO BARBERO, Luca; BISSAZA, Pino. The Sky over Nine Columns. Beck & Eggeling Düsseldorf. 2014, p. 126.

2 VILLAREAL, Ignacio. “Rarely Shown Works by Heinz Mack on View at Museum Kunst Palast in Dusseldorf”. En: http://artdaily.com/news/46035/Rarely-Shown-Works-by-Heinz-Mack-on-View-atMuseum-Kunst- Palast-in-Dusseldorf#.WMkPDvnhDIU (1-III-2017).

3 FLECK, Robert; et. al., 2014 (nota 1), p. 126-127.

4 SPERONE WESTWATER. “Heinz Mack”. En: http://www.speronewestwater.com/exhibitions/Heinz-mack_2/installations (08-III-2017).

5 THE ART STORY, MODERN ART INSINGHT. “Color Field Painting”. En: http://www.theartstory.org/about_us.htm (08-III-2017).

6 Esto sucederá en gran parte de las obras de Mack, aunque también tiene numerosas pinturas en las cuales esta característica no se muestra.

7 Cabe destacar que la obra de Stella, a diferencia de la de Mack, no está pintadas sobre el lienzo negro, sino que lo que se observa es el lienzo.

8 WHITNEY MUSEUM OF AMERICAN ART. “Die Fahne Hoch!”. En:  http://collection.whitney.org/object/2964 (10-III-2017).

9 BEN BROWN FINE ARTS. “Heinz Mack in Eye Attack – Op Art and Kinetic Art”. En: http://www.benbrownfinearts.com/m/news/76/ (10-III-2017).

10 RUIZ TORRADO, Amagoia. Efectos de ambigüedad y agresión en el arte óptico. Tesis doctoral. Universidad del País Vasco, País Vasco, 2015. p. 225-245.

11 BEN BROWN FINE ARTS. 2016. (nota 9), (10-III-2017).

12 KLAAS A. MULDER. “Siehst Du den Wind? Gruß an Tinguely”. En: http://www.youtube.com/watch?v=neCJFxUBDTk (12-III-2017).

13 GUGGENHEIM MUSEUM. “Heinz Mack and the Sahara Project”. En: http://www.youtube.com/watch?v=sCOyEGoge30 (07-III-2017).

14   MACK, Heinz. “Desert and Arctic”. En: http://www.mack-kunst.com/en/Desert-and-arctic.thm   (10-III-2017).

15 RAQUEJO, Tonia. El arte de la tierra: Espacio-tiempo en el land art. En: MADERUELO, J. Medio siglo de arte últimas tendencias. Madrid. ed. Abada, 2006. p. 106-129.

16 MACK, Heinz. 2016 (nota 14), (10-III-2017).

17 GÓMEZ AGUILERA, Fernando. “Arte, ciudadanía y espacio público”.  En: http://sgpwe.itz.uam.mx/files/users/uami/nivon/GOMEZ_AGUILERA_arte_ciudadania_espacio_publ ico.pdf (12-III-2016).

18 AYUNTAMIENTO DE LIECHTENSTEIN “Two Light Prisms by Heinz Mack”. En: http://www.tourismus.li/en/Vaduz-centre-of-culture/sculptures-in-Vaduz/two-light-prisms-by-heinz- mack.html (12-III-2016).

19 Vid. entrevista que se realizó a Heinz Mack.

20 Cabe recordar que esto no siempre fue así, pues en un principio estaba concebida para estar albergada en el interior del museo de Pérgamo.

21 GALERIE PERROTIN. “The Artic Project”. En: http://www.perrotin.com/artists/Heinz_Mack/240/the-arctic-project/10000010941 (11-III-2017).

22  FLECK, Robert; et. al., 2014 (nota 1), p. 46.

Laura Goméz Miró

Graduada en Historia del Arte de la Universitat de València

 

En este apartado se expondrán los distintos emplazamientos donde ha sido llevada The Sky over Nine Columns de Heinz Mack. Resulta relevante ejercer una comparativa entre ellos para poder extraer finalmente determinadas conclusiones o hipótesis al respecto. De este modo se examinará el entorno que enmarca la obra y sus correspondientes países junto con algunas interpretaciones. Para ello, una fuente que ha resultado fundamental es la web http://ninecolumns.com/, de la cual es recomendable visitar para visualizar los distintos vídeos que se han realizado de cada lugar en el que se ha sido expuesta.

En el año 2014 se expuso por vez primera la pieza del artista. En este caso, el emplazamiento fue en Venecia, concretamente en la isla de San Giorgio Maggiore, lugar donde  ya  se  habían  situado  otras  obras artísticas con anterioridad. La creación se expuso del 3 de junio al 23 de noviembre de ese mismo año. Dentro de las colaboraciones de la exposición se encuentra la Fundación Giorgio Cini, de carácter cultural que abarca muchos proyectos y que se encuentra justo en la isla. Es importante hacer alusión a XIV ª Bienal de Arquitectura que se estaba celebrando en  Venecia bajo la dirección de Rem Koolhaas y con el título Fundamentals, celebrada del 7 de junio al 23 de noviembre. En ella, se llegaron a juntar más de 65 países con distintos proyectos que planteaban el pasado, presente y futuro de la arquitectura (1). Seguramente la decisión de Heinz Mack de exponerla en ese instante se vio determinada por la misma.

The Sky over Nine Columns de Heinz Mack. Perspectiva aérea (Venecia) En: http://www.dezeen.com/2014/06/24/the-sky-overnine-columns-venice-installation-heinz- mack/ 

Plaza San Giorgio Maggiore (Venecia). Ejemplo de otra escultura ocupando el mismo lugar de exposición. Fotografía extraída de Google Maps.

Entre las razones por las que emplazó The Sky over Nine Columns en Venecia, se podría destacar la situación de este, como un punto de encuentro entre el Este y el Oeste, algo que destaca enormemente dentro de la concepción de la obra. Por otro lado, todas las teselas que la cubren se produjeron en la misma ciudad, lo que lleva a resaltar la importancia que se le atribuye  al oro en esta creación artística. Especialmente se aprecia como ejemplo la artesanía local que, desde una perspectiva histórica, entre Oriente y Occidente, estableciéndose a través de contactos comerciales en Venecia. Como prueba de ello, solo cabe pensar en el interior de la Basílica de San Marcos y localizar los distintos mosaicos que la componen (2). Heinz Mack resalta  la unión de la superficie del mar junto con el espacio urbano, generando una luz igual de poderosa como la que se puede encontrar en las regiones del desierto (3). Por lo que este fue otro de los motivos por los que el emplazamiento de la pieza sería apropiado para el artista en Venecia.

Dentro del entorno donde se situó la obra cabe destacar la utilización del agua, algo que puede ser localizado en todos los emplazamientos donde se expondrá y que por ello se tratará con mayor profundidad en otro apartado. En este caso, la creación se colocó a los pies del mar donde se abriría a la inmensidad.

Interior de la Basílica de San Marcos. En: http://warp.la/editoriales/unade-las-catedrales-mas-bellas-del-mundo-labasilica-de-san-marcos-warparchitecture

Por otro lado, al localizarse en una plaza como la de San Jorge, se mostró esa concepción de arte abierto al público que bien pone al corriente el artista y que de nuevo se hablará como tema fundamental en otro apartado.

La segunda localización fue Estambul, concretamente se situó en una de las terrazas del jardín del museo Sakip Sabanci. En esta ocasión, la escultura se expuso del 2 de septiembre del año 2015 hasta el mes de abril en el año 2016. La obra fue potenciada y patrocinada por el Ministro de Asuntos Exteriores de la República Federal Alemana, Frank Walter Steinmeier.

The Sky over Nine Columns en el museo Sakip Sabanci. En: http://:ninecolums.com/de/cities/istambul

Es importante establecer la conexión directa que vemos de nuevo entre el agua y la obra, pues a pesar de que no se encuentre tan cerca como en Venecia, desde el lugar donde estuvo ubicada se observaba perfectamente la inmensidad del océano. Cabe destacar de nuevo, el hecho de que se trate de una creación concebida en el lugar en el que ya se habían localizado con anterioridad otras y que, a su vez, estuviera rodeada de las distintas esculturas que componen el parque ajardinado del museo. Además, resulta evidente la importancia de las teselas y del oro en función al emplazamiento, puesto que Estambul combina ambos elementos en numerosos edificios que conectan bien con Oriente, como muestra la basílica de Santa Sofía.

Interior basílica Santa Sofía. En: http://mule.bizhat.com/Arte/Santa_sofia.htm

En esta ocasión se puede palpar un entorno natural que ofrece una conexión más que arquitectónica como en Venecia , puesto que se aprecian toda una serie de elementos  naturales que  permiten que el juego de sombras que proyecta la pieza en el suelo se entremezcle con aquellas de la propia vegetación del lugar. Es importante también destacar como el museo Sakip Sabanci desde el año 2002 amplió su colección y sus distintas exposiciones temporales al arte aquellas de la propia vegetación del lugar (4).

Terraza-jardín del Museo Sakip Sabanci donde se expuso la obra de Heinz Mack. Fotografía extraída del Google Maps en la que se observan otras esculturas modernas.

Puesto que la escultura está diseñada para realizar una gira por Europa con sus exposiciones, según comenta en una de las preguntas que se le realizaron para este proyecto,  los distintos emplazamientos valoran el contacto y los límites entre Oriente y Occidente, Europa y Asia. Un punto fundamental donde contrasta con la arquitectura moderna o lo orgánico, frente a lo geométrico.

Valencia ha sido el tercer lugar escogido por el artífice. Se expuso en la Ciudad de las Artes y las Ciencias, dentro de una de las piscinas frente al edificio de L’ Hemisfèric. La obra estuvo visible del 24 de junio al 1 de noviembre del año 2016 de la mano del comisario Kosme de Barañano. En este caso se construyó una plataforma especial donde colocar las nueve columnas, puesto que iba a estar directamente sobre el agua, de esta forma reforzaron la resistencia. En el resto de casos, sí que se aprecia una estructura sobre la que se levanta la pieza, delimitando bien el espacio de la creación. Lo que sí que coincide en todos los casos es la integración de piedras de pequeño tamaño sobre esta superficie. En la versión valenciana se encontró de manera excepcional un único emplazamiento donde fue situada más lejos de los espectadores.

The Sky over Nine Columns en Valencia. Vistas de día y de noche. En: http://arquitecturaideal.com/escultura-de-la-ciudad-de-las-ciencias/ y en: http://ninecolumns.com/de/cities/valencia.artes-y-las-ciencias/

Tras lo expuesto anteriormente, resulta imprescindible hablar de la intención del artista por combinar su escultura con el lenguaje de la arquitectura de Santiago Calatrava (5), la cual cubre todo el entorno de la pieza de Mack. Arquitectura que, en parte, va a caballo entre la escultura y la ingeniería, la relación con el arte cinético y el uso habitual de varillas hace que la comparativa entre su obra y la del autor que nos ocupa compartan más de una similitud. A pesar de la complejidad a la hora de definir la arquitectura de Calatrava, sí que se podría hablar de grandes relaciones con el movimiento High Tech, de esta forma apreciamos de nuevo reminiscencias en The Sky over Nine Columns, debido a la forma y a esa concepción que parece mezclar tradición e innovación. Además de esto, la vinculación de la misma con la ciencia estará presente, si nos paramos a analizar la importancia de la luz, de la simetría o de la geometría entre otros aspectos.

Sin embargo, esta idea de innovación arquitectónica y escultórica, se sumaría al aspecto más tradicional con el que el artista quiere bañar la obra partiendo de esa inspiración arcaica en la que se centra. Resulta aquí imprescindible hacer alusión a la pregunta dentro de la entrevista realizada al artista sobre el motivo de Valencia como lugar escogido para la exposición. A ello respondió que consideraba esta ciudad como localización donde la obra se podía definir casi como una epifanía, puesto que la potente luz reflejada generaba que de lejos la escultura se pudiese presentar como toda una congregación de luz que no distinguiría forma alguna.

Volviendo a los elementos, destaca la utilización del color blanco que inunda la Ciudad de las Artes y las Ciencias hace que destaque aún más la pieza del autor y que contraste, ofreciendo mayor brillo, incluso llegando a teñir de dorado determinadas superficies gracias al reflejo de las teselas doradas. Por si fuese poco, el clima soleado de Valencia permite que The Sky over Nine Columns se muestre en todo su esplendor. Además, podríamos establecer cierta relación en lo que respecta a los mosaicos, entre las teselas de la obra con el conocido material empleado en la Ciudad de las Artes como es el trencadís (6).

Trencadís del exterior de las Artes y las Ciencias de Valencia. En:            http://maratonfotografico.lasprovinci as.es/2011/foto.php?id=3923

Por último, cabe destacar Suiza, el actual emplazamiento de la escultura, desde el 10 de diciembre del 2016 y donde permanecerá hasta mediados de marzo del 2017. Concretando un poco más, se localiza en un terreno bastante diferente a los ya mencionados anteriormente. En este caso, se sitúa en St. Moritz, en el valle de la montaña Engadina. Hoy en día se contempla un paisaje que ha quedado cubierto por la nieve. De nuevo aquí se puede hacer referencia al color blanco, que ayudaría a concebir la pieza con total fulgor. Del mismo modo, a pesar de que directamente no se visualice el agua, la creación se encuentra junto al lado del lago de St. Moritz, algo que resulta difícil de vislumbrar con exactitud puesto que ha quedado congelado por las bajas temperaturas.

The Sky over Nine Columns en Suiza. Vistas de día y de noche. En: http://www.mack-kunst.com/index.php?language=2 y en: http://ninecolumns.com/de/cities/st-moritz/

Se puede percibir la obra de una manera distinta al resto de emplazamientos, debido a que la interacción con la naturaleza es mucho mayor. Todo ello viene a relacionar directamente esta creación y en concreto, en este lugar, con el Land Art. Se aprecia a través de la colocación de formas artificiales en espacios abiertos y, generalmente, bajo paisajes abruptos, como la montaña. Asimismo, se produce una experiencia única generada por la localización concreta, puesto que solo puede ser visitada si se accede a pie, ya que se encuentra en una ruta de senderismo . Aun así, se trata de una pieza itinerante y, por tanto, no tiene esa función de perdurabilidad que tanto influye y determina el movimiento Land Art.

De cualquier forma, no sería la primera vez que el artista desarrollase algo de estas características, como en sus proyectos en el Sahara y en la Antártida (7). Se aprecian numerosas similitudes que posiblemente servirán como antecedente.

Proyecto Sahara de Heinz Mack. En: http://www.guggenheim.org/video/heinz-mack-andthe- sahara-project

En este sentido, cabe destacar la valoración del artista a la hora de concebir la escultura en un espacio público. En palabras de Heinz Mack, como escultor, se ve especialmente atraído por los espacios públicos, un arte que se vuelve objetivo y que va más allá de lo subjetivo. Se convierte en un arte legítimo y accesible a todos, un arte público donde se definen las bases de identidad de la cultura y muestra gran relevancia social. También afirma estar convencido de que en el mundo tan diverso en el que vivimos, el arte sólo puede presentarse, si es de cierto tamaño, si adquiere un cierto significado y es muy visible en contextos urbanos y rurales.

En 1967, Mack experimentó con la instalación temporal de un pilar dorado en el desierto de Túnez. Será pues este experimento, el que nazca de la idea de liberar la escultura de su ubicación tradicional dentro de un museo o una colección. Resultando a su vez significativo, ya que, sirvió para preguntarse acerca de las diversas conexiones que nacían entre la escultura y el espacio. ¿El espacio infinito del desierto abrumaría un solo objeto? ¿Se perdería el objeto en la dimensión del desierto? ¿O el objeto como escultura tiene la energía de afirmarse? El descubrimiento esencial fue que la luz del sol aceptó la escultura de inmediato, aumentando su propia visibilidad. El pilar dorado, visto como una escultura, se convirtió en una encarnación de la luz, que a su vez desmaterializó la escultura. Igualmente, se observó cómo, en la extensión del desierto, el tamaño real del pilar cambió. Sus medidas visuales ya no correspondían con las mediciones matemáticas. En este sentido, The Sky over Nine Columns tiene una fuerte relación con el Proyecto Sahara.

En función a otra de las preguntas, confirmó que el mejor lugar donde consideraría conveniente exponer la obra sería el desierto, donde no pudiera visitarse, pero de lo contrario sí que podría documentarse a través de medios digitales como fotografía o vídeo, algo que se antoja para Heinz Mack casi como poesía, al meditar sobre la lejanía e intimidad en la que se encontrarían las columnas rodeadas de total naturaleza.

En la actual ubicación de la obra, el artista juega además con la temporada de esquí alpino que se desarrolla desde octubre del 2016 y que finalizará el 19 de marzo del 2017, por lo que concluye aproximadamente a la par con el desmontaje de la misma. Es también interesante apreciar la sinfonía compuesta por Bernd Franke que se generó específicamente para la ceremonia de inauguración de la obra y que fue denominada Nine Trumpets. De este modo se puede apreciar a través de otro tipo de arte una interpretación distinta donde harían todo un homenaje sonoro a la creación de The Sky over Nine Columns.

Por último, cabe hacer alusión a la inspiración que tuvo Mack con la entrada del Museo de Pérgamo en Berlín (8). La razón principal se debe a una de sus exposiciones realizadas en el 2006 en el también conocido como Museo de Arte Islámico de Berlín. En un principio se pensó situar allí la pieza, e incluso se llegó a diseñar como quedaría en ese espacio. El motivo por el que se inspiró en este escenario tiene que ver con el diálogo intercultural que se hubiese efectuado al estar allí emplazado. Diálogo que resulta fundamental en la trayectoria artística de Heinz Mack y que ya muestra en las diferentes localizaciones ya vistas. Especialmente aquí se entiende bien esa relación con la imagen de templo que más tarde se abordará en un apartado específicamente generado para tratar esta aclaración. En este caso también destaca la presencia del agua por lo que se establece una similitud más con los espacios en los que ya se ha expuesto.

Simulacro virtual del emplazamiento de la obra en la entrada del Museo de Pérgamo. En: http://ninecolumns.com/es/en/info/the-sky-over- nine-columns

En general se muestra una creación que bien parece partir de una idea absolutamente alejada del site-specific debido a que no se ha expuesto en un solo lugar. Pero lo que sí que se aprecia, es que, pese a mostrarse en espacios totalmente diferentes, siempre guarda un discurso que facilita encontrar similitudes entre ellos. De esta forma, puede surgir la idea de que, independientemente de la distancia entre Oriente y Occidente, presentan más de una coincidencia. A parte de ello, es interesante plantear como el artista se expone a la posible degradación de la obra, que lejos de concebirse en determinados museos o galerías, se emplaza a merced del tiempo, del espacio y del clima, cuestionando de algún modo lo institucional en el arte.

 

1 MORA, Pola. “XIVª Bienal de Venecia Fundamentals”. En: http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/bienalde-venecia-2014 (13-II-2017).

2 MACK, Heinz; et. al. The Sky over Nine Columns. Beck & Eggeling. Düsseldorf. 2014. p. 14.

3 Ibid., p. 13.

4 SAKIP SABANCI MÜZESI. “Museum History”. En: http://www.sakipsabancimuzesi.org/en7node/540#overlaycontext=tr/sayfa/muze-tarihi (18-II-2017).

5 JESÚS BURGUEÑO, María. “Nueve columnas recubiertas de oro de Heinz Mack desafían el cielo de Valencia”.  En: http://www.revistadearte.com/2016/06/26/nueve-colimnas-recubiertas-de-orode-heinz-mack- desafian-el-cielo-de-valencia/ (3-II-2017).

6 Se trata de piezas de cerámica unidas con argamasa cuya talla es irregular y que componen superficies de mosaico. Su origen se remontaría a la arquitectura modernista catalana.

7 MACK, Heinz. “Desert and Arctic”. En: http://www.mack-kunst.com/en/Desert-and-arctic.thm (20-III-2017).

8 MACK, Heinz. 2014 (nota 2), p. 15.

Jara Lopéz Morales

Graduada en Historia del Arte de la Universitat de València

 

Una gran parte de la producción artística de Heinz Mack está pensada para los eventos y exposiciones colectivas que ha realizado este colectivo a lo largo de su existencia, es por ello que en este apartado se explicará brevemente qué es el Grupo Zero, cuáles son sus características principales y cuál es su historia.

Está formado por una asociación de artistas que crean un arte con unas particularidades comunes, con la intención de ayudarse e impulsarse mutuamente. Este vínculo artístico se crea sin jerarquías, miembros, ni manifiestos, únicamente son autores que se unen para hacer algo en común. De hecho, Blair Asbury Brooks en su artículo para la Revista Digital Artspace (1), introduce una cita del propio Piene que argumenta que el Grupo Zero: 

      No un grupo de manera definitivamente organizada. No hay presidente, ni líder, ni                   secretario; No hay «miembros», sólo hay una relación humana entre varios artistas y               una relación artística entre individuos (2).

El origen de Group Zero se remonta a 1956, fue fundado por Heinz Mack y Otto Piene. Aunque el denominado “círculo interior” (3) no estuvo completo hasta 1961 cuando se unió Günther Uecker. La agrupación surgió como alternativa a los estilos subjetivos que se estaban desarrollando en la posguerra europea, para lo cual se buscó una aproximación al Zeitgeist. Paralelamente a las numerosas exposiciones que realizó Grupo Zero, surgieron otras agrupaciones de artífices que estaban realizando un arte muy parecido, lo cual conllevó a que numerosos autores quisieran unirse a la corporación creada por Mack y Piene, acarreando una rápida expansión que culminó cuando este último se estableció en Nueva York, difundiendo las ideas del grupo en América (4).

Esta expansión trajo consigo un cambio de nomenclatura, pues los artistas alemanes que pertenecen a dicha corriente se denominan Grupo Zero, mientras que en el resto de países únicamente se les conoce por el nombre Zero. Este cambio de nomenclatura se entiende fácilmente si tenemos en cuenta que este movimiento artístico no siempre fue igual, puesto que acabó adquiriendo, poco a poco, particularidades de otras tendencias, así como impregnándose de los rasgos propios del lugar donde se llevaba a cabo. Esto se explica por la ausencia de jerarquía o manuscrito comentado anteriormente. La libertad que hubo dentro del equipo desde su implantación supuso que cada miembro adaptase unos fundamentos comunes al Grupo Zero, con sus propias singularidades comunes, lo que se acentuó a medida que fue avanzando el movimiento tanto geográfica como temporalmente (5).

A pesar de ello, todos los integrantes pertenecientes al Grupo Zero o a Zero, mantienen unas características comunes desde su instauración:

• La importancia de la luz: estos artífices tenían una preocupación científica por la trasmisión de la luz. Buscaban explicar este elemento a través de sus obras, siendo probablemente la primera colaboración artística organizada que se preocupaba por tal precepto (6).
• La magnitud del color: esta característica viene vinculada a la del uso de la luz. Estudiaban la percepción del color en función a la luz, especialmente en las piezas pictóricas, donde el color invade toda la obra de forma totalmente abstracta, aunque también en la producción escultórica, en la que el color constituye un elemento transmisor de luz (7).
• El movimiento: esta particularidad era tan esencial como la luz. Perseguían un dinamismo en el que se pudiera percibir un movimiento, tanto real como figurado, de forma que experimentaron con los denominados Op-Art y arte cinético (8).
• El estudio exhaustivo del espacio: en gran medida, por la influencia del minimalismo que trae consigo una serialidad en las creaciones de estos artistas. El hecho de que haya una repetición de elementos conlleva un dinamismo que explora los elementos físicos del lugar donde se inscribe la obra (9).
• La utilización de materiales nuevos y cotidianos, como la teja, el algodón, los clavos, el petróleo, etc. (10).

En conclusión, Heinz Mack y Piene fundaron un movimiento que fue tan importante que se ha llegado a considerar como una de las corrientes internacionales y vanguardistas de la posguerra más relevante. En 2008, con intención de investigar y difundir el grupo, se formó la denominada Fundación Zero.

 

1 ASBURY BROOKS, Blair. “How the Zero Group Became One of History´s Most Viral Movements”, Artspace. En: http://www.artspace.com/magazine/art_101/art_market/zero-group-52526 (9-III-2017).

2. Not a group in a definitely organized way. There is no president, no leader, no secretary; there are no ‘members’, there is only a human relationship among several artists and an artistic relationship among different individuals. Ibid., En: http://www.artspace.com/magazine/art_101/art_market/zero-group-52526

3  El círculo interior se denomina así debido a que los tres artistas que lo fundaron serán los precursores del grupo.

4 MACK, Heinz. “Zero” En: http://www.mack-kunst.com/en/Zero-2.htm (11-III-2017).

5 ASBURY BROOKS, Blair. 2014 (nota 1), (9-III-2017).

6 BERNER, Igmadr. “The Ideal of Pure Light”. En: https://www.goethe.de/en/kul/bku/20372381.html (8-III-2017).

7 MASDEARTE. “Grupo Zero: cuenta atrás hacia mañana”. En: https://masdearte.com/grupo-zero-cuenta-atras-hacia-el-manana/ (7-III-2017).

8 Ibid., En: https://masdearte.com/grupo-zero-cuenta-atras-hacia-el-manana/

9 BATET, Janet. “Arte: El grupo Zero y el arte latinoamericano”. En:http://www.miami.com/en-espanol/arte-el-grupo-zero-y-el-arte-latinoamericano-24270/ (12-III-2017).

10 MASDEARTE. 2014 (nota 7), (7-III-2017).

Víctor Teruel Rubio

Graduado en Historia del Arte de la Universitat de València

 

Por lo que se refiere a la simbología de la obra y su relación con la historia del arte, será necesario analizar todos aquellos elementos artísticos más importantes que componen el conjunto escultórico del artista Heinz Mack con la identificación de The Sky over Nine Columns.

Nueve columnas dispuestas simétricamente con unas medidas bastantes considerables de 7,5 m de altura, todas ellas con una disposición estudiada y al estilo de práctica clásica que se llevaba a cabo en los antiguos templos,  con un revestimiento rico formado por un mosaico dorado de 850 mil teselas (1).

Por tanto, hay cuatro elementos esenciales en su discurso expositivo a partir de una expresión artística conectada a la corriente actual del llamado arte postmoderno, pero que al mismo tiempo transmite una apropiación del eclecticismo, con elementos muy recurrentes en la historia del arte. La composición que se halla en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de la ciudad de Valencia, cuenta con nueve columnas sobre una plataforma lisa y flotante en una de las piscinas del complejo anteriormente mencionado.

Para ir desentrañado la simbología de la obra, se aludirá a la relevancia de la columna y el templo a lo largo de la historia. En la obra de Mack se aprecian unas columnas que se ordenan en perfecta simetría y que no varían en su estética ni tampoco en sus medidas. Se refleja, como bien introduce el propio autor, “el hombre de pie          –con dignidad– en el espacio” (2).  Aquel ser vivo que originó este elemento arquitectónico y que ahora se va transformado en piedra para destacar de la conexión que nuestra huella en la tierra siempre estará bajo el cielo inabarcable.

 Sin embargo, ya en la Antigüedad se introduce este aspecto, en cierta manera, con la creación del templo o la llamada casa de Dios, siempre con columnas bajo un techo y una estructura exterior ligado al mundo divino (3). Pero no solo en la Antigüedad clásica, sino durante todas las épocas han sido esas columnas las que han ayudado a levantar la llamada historia de la arquitectura. Así pues, siempre ha sido un elemento trascendente y ha tenido transformaciones dependiendo de su contexto (4).

Desde la Prehistoria se puede apreciar la influencia de este elemento arquitectónico a partir de los complejos funerarios compuestos por el llamado menhir, pieza de piedra rectangular dispuesta verticalmente en la tierra y sostenida con la ayuda de otra pieza idéntica, con una tercera en misma posición que las dos anteriores. Así, con la creación de una estructura megalítica similar al dolmen, este artista relaciona su trabajo con el complejo abierto del cromlec; especialmente al monumento británico  que mejor se ha conservado, Stonehenge (5).

 En cambio, volviendo al mundo clásico, cuando este elemento empezó a ser reconocido por su función, los griegos le atribuyeron tres órdenes esenciales que estéticamente definieron estas piezas: el dórico, corintio y jónico (6). Cada uno de ellos con una ornamentación distinta en sus capiteles que resultaba reconocible para todo espectador y que formarían parte de la base de la historia de este elemento común a todo Occidente. Con busto estriado, liso, con forma humana e incluso ornamentado, algo muy frecuente en el siglo XVII.

Todas aquellas sociedades europeas quisieron transformar este elemento en todos los aspectos, dependiendo de sus funciones y la estética artística predominante. Por ejemplo, tras el Imperio romano, que siguió las directrices artísticas de la Grecia antigua, con el Medievo se diversificó tipológicamente este elemento, con la intención de añadir funciones de sustento como en las construcciones del momento. Incluso dio lugar a los conceptos de pilar, contrafuerte y todo un abanico de distintos componentes que conformaron la armonía de las grandes catedrales del siglo XV (7).

Sin embargo, unos siglos más adelante no se tendría duda en abandonar la tradición medieval, y volver al esquema del mundo clásico y, poco a poco, transformarla estéticamente a partir de la demanda de la época, como se ha analizado anteriormente. Pero será con la Revolución industrial cuando se rompa la conexión más común de la piedra en la construcción y se empezará a introducir el hierro, cambiando así la estética de los monumentos del siglo XIX, cuando se  introducirían nuevas directrices en la arquitectura del momento.

 El mundo contemporáneo podrá, por tanto, hacerse con este elemento y llegar a someterlo a cualquier práctica artística; como bien se puede ver en la misma obra de artista Mack. Sin embargo, la columna no siempre ha estado ligada a la arquitectura, ya que en la cultura ibérica con las estelas funerarias o en el antiguo Egipto con los obeliscos se contempla como este elemento está ligada al mundo divino.

 Con ese sentido de ascendencia al cielo, la columna también podía someterse al poder de la propaganda a partir de la ornamentación epigráfica que ordenaba el faraón en sus monumentos conmemorativos. El propio artista se remite al arte egipcio para la creación de sus columnas doradas vinculadas, con el mismo fin, en su relación con el cielo (8). Asimismo, esa conexión influenciada por el poder, se puede observar en el arte romano con sus columnas de carácter festivo como, por ejemplo, la columna de Trajano, referente del arte antiguo, por sus ricos relieves escultóricos que transmitían las fantasiosas victorias de Trajano frente a los Dacios (9).

En la obra del artista, se insinúa una importante influencia de la estética musulmana, en la composición rectangular y lisa de sus piezas, que también se aprecia en la Torre Hassan, el alminar de la mezquita de Rabat; o incluso con el Templo de Almaqah de Bar’an y los pilares del Marib (10).

 En cuanto a referencias Orientales, se encuentran casos con intenciones muy similares, dando lugar a una trasformación de la columna para formar parte de los grandes templos milenarios. Por ejemplo, en la Antigua China se encuentra un conjunto de monumentos reales de estética oriental del siglo XVIII como el Templo Hau Wong; o incluso en el territorio hindú, con ricos templos tallados en piedra, como el de Kailasa, que ostentan unas estructuras muy similares a las del interior del propio templo de Krishna.

 En cambio, Heinz Mack también muestra su influencia en las civilizaciones que nacieron al otro lado del Atlántico y que se asentarían en el continente americano con la identificación histórica de sociedades precolombinas (11). En especial se puede vincular la columna dorada con los restos de los templos de la ciudad mexicana de Chichén Itzá (12).

 En el caso de los griegos, los templos se erigieron con una funcionalidad religiosa, para albergar en su interior la estatua de un dios. Así pues, dicho edificio nació como alma de la polis griega y fue un objetivo primordial de la arquitectura clásica (13). Como se ha analizado anteriormente, la obra del artista tendía a asociar su proyecto a este término, más en lo que se refiere a apariencia de la estructura y no tanto a una recreación o representación exacta.

 Aunque se  vincule el templo a la gran evolución arquitectónica de nuestros tiempos, está más bien condicionado por el ser humano, que por el hecho de salvaguardar alguna divinidad del Olimpo o del mundo sobrenatural egipcio (14). Porque claramente habría dos ejemplos palmarios en este caso que serían, por una parte, el Panteón de Atenas, con sus esbeltas columnas bajo el dominio del remate del frontón que ensalza el ideal griego, y por otra, el Templo de Luxor, con una columnata monumental de Amenhotep III, que marcaría toda la complejidad de los templos en el valle del Nilo (15).

 Volviendo a la obra de Mack, el elemento primordial, la columna, se encuentra recubierto por un manto brillante y rico compuesto por mosaicos. Se trata de una práctica milenaria dentro de la historia del arte con muchas variantes y ejecutada con materiales distintos que, como ya se ha estudiado, dependerá del contexto en el cual se desarrolle.

 Este manto, está formado por 850 mil pequeñas teselas que introducen un estilo tradicional y respetan la práctica original del mosaico que ha dado grandes obras decorativas durante todos estos siglos. No se ha de olvidar la relevancia del esmalte, que ayudaría a destacar el brillo del conjunto y ofrece una experiencia visual única hacia el público visitante (16). Estos materiales tan esenciales en su discurso expositivo, están bañados por una capa dorada que aportaría la riqueza de este tono tan demandado en la práctica artística durante toda la historia.

 La fascinación del escultor por estos dos elementos parten de sus años de formación académica, cuando conoció dos obras del artista Jan Thorn Prikker, situadas cerca del Museo Kunstpalast, que el propio artista visitaba habitualmente en la ciudad de Ehrenhof (17). Debido a ello, Heinz Mack utilizará el mosaico con teselas doradas con el objetivo de explotar el concepto de la luz como productora de una fluctuación de la realidad al conectar los dos astros que determinan la vida diaria (18).

Mack persigue un fascinante juego de luces durante todo el día bajo el reflejo del sol y la luna en cada parte de las caras de estas nueve columnas que representan al ser humano. Resulta interesante como trata esta simbología que, en cierta manera, ya figura en las obras de Prikker, y que consistirán en dos mosaicos, uno vinculado a la identificación alemana de Der Tag, que haría alusión al día y el otro, Die Nacht haría alusión, la noche (19).

 Con la intención de potenciar este efecto, se entiende la utilización del esmalte que fusiona el color de la luz natural con el del propio material de la manera más impactante que la mente puede regalar. Se produce un puzzle de sensaciones que, en primer término vendría ligado con la ciencia, pero que pertenece a esta técnica tan esencial en la historia del arte.  En primer lugar, la práctica del mosaico nació en dos ámbitos separados por los mares meridionales y que harán referencia a esa distancia entre la cultura mediterránea y la del islam oriental. Por tanto, se encuentra delante de un elemento artístico con una esencia impulsada por pequeñas piezas o teselas a partir de materiales relevantes como la piedra, cerámica, vidrio u otros similares presentan diversas formas y colores. Así, se unirán cada una de ellas mediante el yeso u otro aglomerante que facilite formar composiciones decorativas tanto geométricas como figurativas (20).

 Cabe destacar como comienza a cobrar importancia la técnica en la Antigüedad clásica, ganando mayor prestigio en la época del dominio romano en la que, después de establecerse en Grecia y Asia Mayor, se descubrirá una nueva expresión artística para volver a introducirse más tarde dentro del género artístico-industrial. El artista relaciona el empleo de la técnica del mosaico con la creación de elementos paganos de Pella bajo el reino de Macedonia o en toda la región de la isla de Delos, durante el período griego antiguo. Pero no será hasta el nacimiento de la llamada opus tessellatum de origen romano, cuando la tendencia decorativa del hogar comienza a tomar verdadera relevancia (21).

 Por tanto, conecta Heinz Mack los mosaicos de las columnas doradas con grandes ejemplos de las moradas en las ciudades de Pompeya y Herculano que, bajo el poder de Alejandro Magno, se pudo potenciar esta práctica dotar de belleza a los hogares de las familias acomodadas. No obstante, la utilización del mosaico siguió tomando relevancia a medida que el cristianismo crecía y el Imperio romano decaía. Se empleó para las construcciones palaciegas como se observa en Palermo e incluso después en los monumentos religiosos de Rávena y forma parte de la cultura artística de   Bizancio (22). Un ejemplo de ello: la iglesia de San Vital, que guarda unos ricos mosaicos dedicados al retrato de dos importantes personajes imperiales del siglo VI. Destacan Teodora, que aparece con su cortejo y su marido Justiniano, representado con su séquito.

En cambio, como referente principal del arte bizantino que influiría en la práctica de Heinz Mack, descolla la grandiosa obra arquitectónica de la basílica de Santa Sofía, situada en la ciudad de Estambul, en Turquía (23). No cabe duda de que la majestuosidad que esconde en su interior esta construcción solo se pudo crear a partir de la armonía de pequeñas teselas. Estas ofrecen una belleza descomunal, marcada por la luz que penetra en las naves y que conectaría claramente en la intención del artista al intervenir en teselas del mismo material dorado en su propia pieza. Se establece una conexión con el mundo divino a partir del reflejo de la esencia del sol en la luz radiante que choca en estas pequeñas piezas. Históricamente, el material persigue unos objetivos ligados a la espiritualidad y a la intelectualidad que continúa satisfactoriamente el artista alemán.

 Siguiendo el recorrido por la historia del arte, se observa que esta práctica volvería a renacer en el siglo XVII con un ejemplo fácilmente identificable: el interior de la Basílica de San Pedro en la ciudad del Vaticano. Un referente más cercano se halla en la época contemporánea, con el surgimiento de los estilos identificados como Art Decó, Art Nouveau y la Sezession, procedente de la corriente modernista europea de medianos del siglo XIX (24). Por una parte, se da una suerte de restauración de esta técnica, pero, por otra, también una nueva forma de llevarla a cabo con nuevos materiales potenciados por el mundo industrial que había conquistado la cultura de aquellos años.  Se habla de una época que daba lugar a un mundo contemporáneo donde la esencia de ese collage de elementos repetitivos de los mosaicos, un siglo más tarde se podría contemplar hasta en el ámbito científico, por las nuevas tecnologías que, como el televisor o el ordenador, transmitían el sentido de que el color pudiera darse en un alto grado de inmaterialidad (25). Pero volviendo al siglo XIX, realmente aquí se observa quiénes volverían a introducir notablemente esta práctica  con una técnica tradicional y gracias a los estudios de investigación llevados a cabo una vez se creara la disciplina de la Historia del Arte.

 Aunque los pintores impresionistas introdujeron una expresión artística muy ligada a estas composiciones que darían lugar a las obras puntillistas de Seurat y Signac, no sería sino a partir del modernismo que reciclarían estos materiales de la mano de grandes personajes como Gaudí y poco a poco irían evolucionando, y apareciendo a partir de Jan Thorn Prikker, Nikki de Saint Phalle o incluso el propio Heinz Mack en el arte de hoy (26). Sin ir muy lejos, en la ciudad de Valencia, se encuentra un ejemplo de mosaicos modernistas, de estilo folclórico, en una de las salas de la Estación del Norte, realizada hará hoy cien años por el arquitecto Demetrio Ribes. En otras palabras, estas obras de arte propalan todos los elementos identificativos de la ciudad y existen gracias a una la técnica tradicional, el antiguo opus tessellatum,  y que parte del entusiasmo de resucitar este elemento desde una nueva mirada contemporánea.

 Por último, la tendencia de decorar interiores a partir de la combinación de pequeños elementos, como efectuaban los propios romanos, se ve claramente en la actualidad en la estética de baños o cocinas. Heinz Mack ha contactado con la empresa Venetian Manufactory Orsoni para la elaboración de sus teselas. Dicha entidad  ha colaborado en el salón dorado de Estocolmo, en parte de la obra inacabada de la iglesia de la Sagrada Familia de Gaudí y en la restauración de mosaicos de la Basílica de San Marcos en Venecia. Además, para obtener una buena combinación que llegue a realzar las siguientes piezas en las columnas, ha acudido a la ayuda de dos profesionales en este ámbito llamados Francesca y Lino Linossi (27). 

 Otro elemento a remarcar sobre la obra de Mack y cuyo concepto, a lo largo de la historia del arte, ha estado ligado al poder y a lo divino por la fuerza y nobleza del material en sí, será la utilización del dorado. Cuando se acude a las civilizaciones antiguas, este elemento adquirió una potente importancia en la orfebrería, en muchos casos ligado a las antiguamente denominadas bellas artes, como sucedió en el antiguo Egipto. Este pigmento, desde su introducción en el arte, estaría conectado con la representación del astro solar y, por tanto, relacionado con la divinidad. Un color que simulaba lo eterno e inagotable será introducido por los artistas para formar decorar a los personajes divinos, su piel y sus joyas, así como de fondo en las escenas sagradas, algo muy común en otras culturas de siglos posteriores. 

Por otra parte, como elemento arquitectónico, el empleo del dorado se encuentra para bañar las partes más altas de monumentos significativos como fueron los remates puntiagudos con el nombre de piramidión (28). Estos se situarían en las partes superiores de las grandes pirámides y en los obeliscos con la intención de ascender al cielo y conectar con los dioses como se ha apuntado anteriormente. No solo se observa esta tendencia en el valle del Nilo, sino que, ligado a las artes decorativas, seguiría el mismo esquema en las culturas clásicas de Grecia y Roma.

 En cambio, la obra del artista tiene mayor conexión con el Imperio bizantino en el que el empleo del ocre estaría perfectamente ligado a sus objetivos. El dorado que recubrirá potencialmente todo el lenguaje visual de esta cultura oriental y que, sobretodo, tendrá un simbolismo relacionado con la luz, como quiso Heinz Mack en el discurso expositivo de sus nueve columnas. Un pigmento que resplandecerá completamente como horror vacui en los interiores sagrados de los templos basilicales y en la innovación de los llamados iconos. Estos últimos consisten en pinturas sobre tabla con la representación de una tipología de vírgenes, cristos, santos y otros personajes bíblicos para su veneración y adoración, las cuales influirían el día a día del hábito cotidiano (29). Finalmente, terminaría siendo síntoma de la importancia cultural que se le asocia al sol, como anteriormente visto, y que seguiría hasta mucho más tarde e incluso pasaría al otro a lado del Atlántico. No cabe dejar a un lado la importancia que se le dio a este material en las culturas precolombinas y en las que el artista puso su mirada.

 La más destacada sería la cultura quechua procedente del área andina. Los incas tendrían especial devoción por este mineral a causa de la leyenda del rey de Guatavita que consiguió originar el misterio de las grandes ciudades cubiertas de oro. Fue tan impactante la historia que, una vez llegaron los europeos al continente americano, el propio Sebastián de Benalcázar impulsó la difusión de esta particular leyenda y ordenó sin precedentes la búsqueda de la ciudad perdida de El Dorado (30).

 Volviendo a Occidente unos siglos más tarde, encontraríamos la otra cara de este material ligada a la riqueza y, por tanto, destinada a la complementación de otras obras de arte que potenciarán el poder. Un claro ejemplo de su presencia para realzar el estatus social lo encontraríamos en la Edad Media cuando muchas familias nobiliarias pagaban un tributo a los artistas que redecoran los retablos destinados a las capillas familiares para facilitar la ascensión del difunto al cielo (31).

Sin embargo, habría otro uso más exuberante que se le atribuye al potencial reconocimiento del poder monárquico con un exagerada y rica ornamentación ligada a las bellas artes y a las artes decorativas. Este hecho se produce durante de la poderosa monarquía de Luis XIV en el siglo XVIII, quien llevó al pie de la letra la importancia del dorado en los términos ya expuestos y que incluso se le identificó como el Rey Sol, aclaración que vuelve a transmitir la importancia del este astro que tiene y ha tenido una conexión directa con el dorado.

 Para concluir, cabe mencionar que toda la simbología descrita anteriormente, gracias a la elaboración de un estudio iconográfico preciso, será la que llevará a cabo el artista para seguir ligando sus teselas doradas con la luz, la riqueza y el esplendor de esta estrella que permite la vida en la tierra.

 

1 MACK, Heinz.“The Sky over Nine Columns at Valencia”. BLOUIN ARTINFO. 2016. p.4.  En:      http://scholar.aci.info/view/157049f158500100002/15771c331e800017694ef2d

2  Ibid., p. 4.

3 BLANCO FREIJEIRO, A. Arte griego. Madrid. Consejo Superior de Investigaciones Científicas. 2011.  p. 151-166.

4 CHING FDK. Diccionario visual de arquitectura. Barcelona. 2ª ed. Gustavo Gili. 2015. p.256-257.

5   MARTÍEZ BUENAGA, Ignacio. Història de l’art. Valencia ed. ECIR. 2009. p. 121-123.

6   BLANCO FREIJEIRO, A. 2011. (nota 3) p. 152-155.

7   Ibid., p. 292-295.

8   MACK, Heinz; et. al., The Sky over Nine Columns. Beck & Eggeling. Düsseldorf. 2014. p.37.

9 GARCÍA y BELLIDO, A. Arte romano. Madrid. Consejo Superior de Investigaciones Científicas. 2014. pp.59-63.

10  Ibid., pp. 59-63.

11 RIVERA DORADO, M; VIDAL LORENZO, MC. Arqueología americana. Madrid. ed. Síntesis. 1994 p. 11-21.

12 MACK, Heinz. 2014.(nota 8), pp 64-65.

13 BLANCO FREIJEIRO, A. 2011 (nota 3), p. 151-152.

14  Ibid., p. 50.

15 BENDALA GALÁN, Manuel; LÓPEZ GRANDE, María J. Arte egipcio y del próximo oriente. Madrid. Historia 16. 1996. p. 83-97.

16  Ibid., p. 82.

17  MACK, Heinz. 2014 (nota 8) p. 82.

18  MACK, Heinz. 2016. (nota 1) p .4.

19  Ibid., p. 82.

20 MARTÍNEZ BUENAGA, Ignacio .2009 (nota 5) p. 78-81.

21 GARCÍA y BELLIDO, A. 2014 (nota 9) p.. 59-63.

22 QUENOT, M. Icono. Bilbao. ed. Desclee de Brouwer S.A. 1990. p. 57-66.

23  MACK, Heinz. 2014 (nota 8) p. 82.

24 Ibid., p. 82.

25  Ibid., p. 82.

26  Ibid., p. 82.

27  Ibid., p. 107.

28 BENDALA GALÁN, Manuel; LÓPEZ GRANDE, María J. 1996 (nota 15) p. 83-97.

29 QUENOT, M. 1990 (nota 22) p. 83-106.

30 RIVERA DORADO, M; VIDAL LORENZO, MC. 1994. (nota11) p. 170-180.

31 GARCÍA MARSILLA, JV. Art i societat a la valència medieval. Valencia. ed. Afers. 2011. p. 191- 215.

Laura Goméz Miró

Graduada en Historia del Arte de la Universitat de València.

 

Dentro del análisis de The Sky over Nine Columns, el agua resulta fundamental a la hora de plantear una determinada visión y efecto en la obra y sin él no se podría concebir del mismo modo. A través de una serie de planteamientos, se formularán a continuación algunas hipótesis sobre el difícil significado de este recurso, a parte de su función más primaria en la obra: juego de luces y reflejos.

Como se ha podido comprobar en el apartado de “Localizaciones de la obra”, la presencia del agua es indiscutible en todos los espacios donde ha sido expuesta The Sky over Nine Columns. Ahora bien, en cada uno de los lugares, este recurso se puede apreciar de una manera distinta a las otras localizaciones. Por ejemplo, en el caso de Venecia la obra se sitúa justo al lado del mar, pero en el caso de Estambul, a pesar de no tener próximo el mar, puede apreciarse de fondo. La diferencia más notoria es que en Estambul no se lograrían reflejar las columnas en el agua, tal y como ocurre en las otras ubicaciones. Sin embargo, en Valencia la escultura se sitúa sobre un acuífero, por lo que ya presenta cierta variación, pasando de una zona natural, a una generada por la mano del ser humano. Finalmente está el caso de Suiza, donde el clima ha congelado el lago que está cercano a la escultura y a su vez se muestra todo nevado. En este caso la pieza se reflejaría  en el blanco de la nieve, resaltando el brillo dorado, aunque no de forma tan directa como se aprecia en el agua en su estado líquido.

En la entrevista que se efectuó al artista, este dio a entender que resultaba de su agrado que, para el espectador, las columnas se encuentren como si estuviesen flotando sobre el agua. Del mismo modo, resalta el dinamismo provocado por el reflejo de los pilares, que parecen tener realidad propia provocando una experiencia óptica que bien puede relacionarse con efectos de cinética.

Pero la pregunta es más concisa: ¿para qué pudo querer Heinz Mack disponer de la presencia del agua? Puesto que se valora el agua desde un punto de vista simbólico, interesa aclarar su significado. Según palabras del poeta Luis Rosales, «el simbolismo es el carácter esencial de toda actividad humana, y no existe, propiamente, en el hombre ninguna  expresión pura. Siendo así toda expresión humana simbólica en su origen» (1).

Por otro lado, podemos valorar los símbolos como algo más expresivo que las propias palabras, porque por medio de estos se contrastan y significan las experiencias del alma con las realidades de la vida (2). Por último, puede que el símbolo sea una imagen o un signo en el que las realidades y determinaciones metafísicas no se reconocen en abstracto, sino que se hacen expresión perceptible de una realidad invisible (3).

Si algo resulta indiscutible es que el agua es vehículo de emociones artísticas (4). Es por ello que su visión se ha apreciado desde muchos aspectos a lo largo de la historia del arte. Como recurso fundamental para el ser humano e incluso como idea de catástrofe. Ya desde el antiguo Egipto se pueden visualizar algunas composiciones murales donde se valora el elemento acuático. En el arte oriental vemos ya desde un principio el alto valor del agua, especialmente bajo representaciones paisajísticas, donde destaca la grandiosidad, en contraste al arte occidental, que tardó algo más en incorporar este tipo de elementos y símbolos, aunque evidentemente hubo excepciones.

A pesar de que podría hacerse un extenso análisis acerca de las distintas valoraciones que ha tenido el agua a lo largo de la historia del arte, es preferible destacar aquellos momentos que puedan vincularse en mayor intensidad con la obra, por lo que no podría iniciarse el discurso sin destacar primeramente a los árabes, toda una civilización que llegó a desarrollar el control del agua en su máximo componente estético y es por ello que Heinz Mack lo utiliza como fuente de inspiración (5). Este  elemento natural se relacionaba con la belleza y se empleaba en todo tipo de arquitecturas en las que esta actuaban a modo de espejo. A su vez, estaba estrechamente relacionada con conceptos de relajación y armonía, que provocaban estas formas habitualmente calmadas. Un ejemplo que lo muestra a la perfección es el patio de los Arrayanes en la Alhambra de  Granada (6).

Patio de los Arrayanes. En: http://anacob3.blogspot.com.es/2013/12/ comentario-artistico-del-patio-de- los.html

Los romanos tomarán también el medio acuático, y lo integrarán en determinadas ocasiones. Especialmente se verá como un efecto de decoración en palacios imperiales y jardines privados, donde se generaba ese ambiente de oasis artificial, que se bañaba en ocasiones de lujo y excentricidad. Un ejemplo de ello es la Villa Adriana en Italia. Puede afirmarse que se trata de lugares más bien lúdicos, que remiten de nuevo a ese concepto de relajación y meditación. Igualmente, estos emplazamientos, en mayor medida estaban rodeados no solo de naturaleza, sino de un acompañamiento escultórico de peso, algo que puede relacionarse directamente con la obra de Heinz Mack. Otro elemento a destacar dentro de la arquitectura romana son los ninfeos, una especie de fuente pública que disponía de mucha ornamentación y donde el juego del agua resultaba imprescindible. Un ejemplo es el de Villa Julia en Roma.

Jardín Villa Adriana. En: http:www.guidemaestruria.com/es/itineraridinto rni-di-roma.php.

Villa Julia. En: http://es.prnteret.com/pin/456130268483 120028/

Pero en el arte, no solo se ha integrado el agua en la arquitectura y la escultura, sino que también la pintura ha sido considerada como una de las mejores vías para figurarla. Uno de los ejemplos más representativos es el de la pintura impresionista. Estos transmitían su preocupación por captar la luz, los colores y el reflejo, junto con la apreciación de los cambios que se presenciaban en el paisaje en función de la hora del día (7). Se podía contemplar, de esta manera, como iba cambiando el entorno de la noche a la mañana. Monet, mostraba un mismo paisaje en distintas estaciones del año. Esta voluntad de reflejar diversas visiones de un mismo espacio en función de la luz entre otras cosas, se encuentra también en The Sky over Nine Columns.

Puente  de Argenteuil, Monet (1874). En: http://mastereducacionsecundaria.wordpres.com/impresionismo/claudemonet/

La utilización del agua como espejo es otra característica que puede palparse en la pintura y, concretamente, en Narciso de Caravaggio, donde muestra el reflejo de este, mientras se está contemplando a sí mismo y, a su vez, surge del agua una figura totalmente simétrica que remite a la reflexión y a la especulación. Muchos han sido los artistas que han indagado en su propio reflejo con el fin de autorretratarse. En la obra de Heinz Mack, la refracción que se produce entre las columnas y el agua puede generar de algún modo, ese concepto de espejo entre Oriente y Occidente que tanto se aprecia en la obra.

Narciso, Caravaggio (1597-1599). En:                                         http://investigart.wordpress.co/2014/07/09/los-laberintos-delpop/narciso- caravaggio-hd/

La idea del espejo también genera una relación directa con el pictorialismo en la fotografía y  muestra desconfianza ante lo que puede resultar verdadero o falso. Parece mostrar, todo un mundo dividido, donde discernir la realidad resulta de lo más complejo. Un ejemplo de ello es el pictorialista británico George Davidson (1854-1900) (8), que desfiguraba esa realidad a través de las imágenes y incorporaba escenarios de reflejo.

Por otro lado, se encuentra la concepción del Land Art, que tiende a rodearse de entornos naturales, pese a que no suele hacer uso de estos para la realización de sus obras y, por el contrario, utiliza más bien materiales prefabricados. El agua será un elemento importante en muchas de estas creaciones y puede haber sido fuente de inspiración para Heinz Mack. Un ejemplo de ello es Surrounded Islands del artista Christo y Jean-Claude.

Surrounded Islands de Christo y Jean-Claude (1983). En: http://www.morethangreen.es/surroundedisla nds-por-christo-and-jeanne-claude/

De igual manera, es importante destacar la aparición del hielo, como modificación del mismo elemento acuático, como ocurre en el caso de su exposición actual en St. Moritz. El interés de Heinz Mack por este estado del agua puede ser notable si tenemos en cuenta que el artista llevó a cabo actuaciones en el Ártico.

Por último, resulta interesante a modo de conclusión, resaltar la distorsión notoria que puede resultar del reflejo de las columnas en el agua. En función a como de calmada este, se mostrarán las columnas de una forma u otra. De este modo, lo que pueden parecer nueve simples columnas, gracias a la acción de la luz y del agua, hace que la obra sea distinta en cada momento del día. Se puede afirmar, que la creación no solo dispone de una sola cara y de una sola interpretación, sino que cada vez se observa una obra visualmente distinta, pese a que no varía el contenido original.

A su vez, resulta pertinente hacer la apreciación de la línea del mar como horizonte,  que puede mostrar lo evanescente e inaccesible, y que el arte en ocasiones ha adoptado a través de la idea de tiempo e inmortalidad (9). Aparte de la pintura, la fotografía empleó también el el agua como reflejo estético. Un ejemplo temprano de ello sería el artista fotógrafo Gustave Le Gray (1820-1884), que muestra a la perfección ese colosalismo (10) de la naturaleza a través del elemento del agua en sus obras (11). Un ejemplo será Marina, estudio de nubes (1856).

Sin embargo, si hay una interpretación sobre el agua que no puede someterse a discusión es la de la vida. La necesidad y dependencia del ser humano por tan preciado bien que, desde luego, no puede pasar desapercibido. Ya desde su uso como elemento básico de representación en el mundo antiguo, sigue siendo protagonista en la modernidad. La diferencia radica en la variedad de formas de verse implicada en el arte y Heinz Mack es un ejemplo de unión entre ese pasado y el presente.

The Sky over Nine Columns de Heinz Mack. Fotografía de Alfonso Calza donde se ve el reflejo de la obra en el agua. En: http://ninecolums.com/en/cities/valencia

 

 

1 PEREZ RIOJA, José Antonio. Diccionario de símbolos y mitos. Las artes y las ciencias en su expresión figurada. Madridm Tecnos. 2008. p. 5.

2  Ibid., p. 5.

3  Ibid., p. 5.

4 CHUECA GOITIA, Fernando. “El agua y el arte”. Arbor. nº 646, 1999. p. 285. En: http://dx.org/10.3989/arbor.1999.i646.1591 (15-II-2017)

5 MACK Heinz; et. al., The Sky over Nine Columns. Düsseldorf. Beck & Eggeling. 2014. p. 46.

6 CHUECA GOITIA, Fernando,1999 (nota 4), p. 286.

7 PANDO DESPIERTO, Juan. “Agua y tiempo en el arte” UNAM serie VII, 1993. p. 656. En: http://dx.doi.org/10.5944/etfvii.6.1993.2211 (16-II-2017)

8  Ibid., p. 662.

9  Ibid., p. 657.

10  Ibid., p. 659.

11 MALCOM, Daniel. “Gustave Le Gray (1820-1884)”. En: http://www.metmuseum.org/toah/gray/hd_gray.htm (15-II-2017)

Nohemi Serrano Salom

Graduada en Historia del Arte de la Universitat de València

 

En este apartado se habla de un elemento plástico de la escultura ajeno al sentido del tacto: la luz. En este caso, concretamente, en la escultura The Sky over Nine Columns, de Heinz Mack. Para ello, primero corresponde explicar los usos que ha tenido y como se ha empleado a lo largo de la historia.

 La luz es considerada por algunos como un camino hacia lo imperceptible, una vía que llega de las tinieblas a una mayor luminosidad. Se puede afirmar que la figura vive a través de la luz y es poderosa y divina (1). El escultor siempre tiene en cuenta la luz natural en sus creaciones, con el fin de convertirla en un elemento estético. Al ejecutar su obra, el escultor, cuenta con esta para someterla a su dominio artístico y, teniendo en cuenta este componente, realiza y orienta los planos y superficies, dispone las concavidades y distribuye las masas y los volúmenes. De esta forma, los diferentes factores atmosféricos y luminosos se integran a la perfección en la silueta representada. La relación estética entre el espacio natural y la forma creada por el autor constituye una dimensión propia de la escultura (2).

 Existe una diferencia en cuanto a la luz entre la pintura y la escultura, pues la primera posee luz propia, mientras que la segunda utiliza una luz exterior y, a su vez, se subdivide en dos categorías: la propia, aquella que le otorga el mismo escultor al trabajar en sus volúmenes y sus acabados y la procedente de los focos luminosos que alumbran la pieza.  Así pues, podemos observar en su conjunto: el foco luminoso, el claroscuro de la propia pieza y las sombras que dan énfasis al cuerpo de la misma. Pero el juego de luces, no solo se consigue con el tratamiento de los volúmenes, sino que también se pueden lograr con el tratamiento de la superficie de la obra (3).

 Hay que pensar si el propio artífice ha estudiado los efectos de la luz en la figura o si, por el contrario, ha trabajado en ella sin tenerla en cuenta, puesto que a lo largo de la historia artística se han podido ver las dos facetas. Por ejemplo, con el fin de llegar al naturalismo en la estatuaria griega, los artistas del momento jugaban con las diferentes formas de tallado en piedra y pliegues para examinar de qué modo incidía la luz sobre estas. Para tallar los ropajes, los escultores desarrollaron una nueva técnica hoy conocida como modelado. Por ejemplo, las vestiduras de las estatuas del Partenón están labradas con surcos y arrugas que captan la luz y sostienen la sombra (4).

Otro ejemplo lo encontramos en el arte románico, en el que se utilizaron bajorrelieves otorgando una luminosidad plana, mientras que el mundo gótico se decanta por el claroscuro y potencia los pliegues para conseguir grandes superficies en sombra.

Sarcófago de San Vicente Mártir. En: http://historiasapp.com/s/el- sarcofago-de-san-vicentee.60qt

Esta alternancia en el uso de la luz también se contempla en el Renacimiento y el Barroco, pues la primera época mencionada utiliza la luz plana, mientras que la segunda se caracteriza por multitud de pliegues exagerados que proyectan grandes sombras en las obras.

Grupo de la Visitación. En: http.//www.auladearte.com.br/historia_da_arte/got ico_catedrais.htm#axzzhWNKacE

En el panorama artístico contemporáneo las interpretaciones y lecturas de la luz son numerosas, al igual que sus usos como lenguaje y material plástico. Tras las vanguardias, en el mundo de la escultura, entran en escena nuevos componentes anteriormente desconocidos dentro de esta disciplina, como por ejemplo la escenografía. Esto da como resultado a intervenciones en el espacio, como la performance. Artistas como James Turrell (1943), se refieren a la luz como un material indispensable para realizar sus creaciones lumínicas. Turrell ha trabajado con la luz eléctrica en sus proyectos ambientales con el fin  de conseguir corporeidad en sus creaciones con efectos ópticos (5).

Obra de Turrell – En: http://euartfoto.blogspot.c om.es/p/arquitectura.html? m=1

En la figura escultórica se debe tener en cuenta no solo el volumen, sino también los aspectos lumínicos que inciden sobre esta. Aquellas piezas que se desplazan a lo largo de su exposición poseen un elemento determinante, ya que, al reproducir la luz sobre la figura, se crea un efecto más o menos estático donde la luz envuelve la obra de forma tridimensional y, según el emplazamiento en el cual se situa, se percibe la luz de una forma u otra. 

Este factor es el más sopesado por Heinz Mack en The Sky over Nine Columns, donde usa la luz para conseguir dinamismo. Según palabras del propio artista, «el espacio es igual de importante que la escultura. […] No puedo imaginar lo uno sin lo otro» (6). De este modo, hace hincapié en la relevancia de la ubicación de sus obras. En el emplazamiento de la Ciudad de las Artes y las Ciencias se percibe el juego que crea con el blanco de los edificios y el azul del agua creando un mecanismo de luces y movimientos únicos.

Heinz Mack tiene un gran interés en explotar la luz en aquellas zonas con una naturaleza virgen. Cuando en 1959 diseñó el proyecto Sahara, que llevó a cabo entre 1962-1963, instaló un “jardín artificial” en el desierto formado por espejos, cubos, carteles y estelas de luz monumentales. Sus prácticas experimentales con la luz se documentaron en la película Telemack en 1969. El resultado de estas investigaciones es lo que ha permitido realizar la obra The Sky over Nine Columns (8).

Fotografía de Nohemi Serrano Salom, 2016

A modo de conclusión, se observa que la luz que incide en la pieza a lo largo del día, ofrece un gran juego de luces, permitiendo crear al artista una escultura cambiante, no solo a lo largo del día, sino que también llega a interactuar con la luz de la luna. Todo ello gracias al recubrimiento de las teselas doradas.

 

1 BARRAL ALTET, Xavier. Vidrieras medievales en Europa. Barcelona, Madrid, Lunwerg, 2003. p. 11-14.

2 ESTEBA LORETE, J. F, et al. Introducción general al arte: arquitectura, escultura, pintura, artes decorativas, Madrid, Istmo, 1980. p. 180-181.

3 CASTILLO MARTINEZ DE OLCOZ, Ignacio Javier. El sentido de la luz: Ideas, mitos y evolución de las artes y los espectáculos de luz hasta el cine. Parte 2: La luz en las Bellas Artes. Barcelona, Universitat de Barcelona. 2005. p. 193-211.

4 HONOUR, H; FLEMING, J. Historia del arte. Barcelona, Reverté, 1987. p. 611-619.

5 ASENSIO FERNÁNDEZ, José Antonio. Una revisión de la luz como nuevo factor creador en la escultura: desde 1950 hasta nuestros días. Barcelona, Universidad de Barcelona, 2013. p .89.

6 VÁZQUEZ, Cristina. “El artista Heinz Mack, artista de la luz, tiñe de Dorado la Ciudad de las Artes” El País. En: http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/06/25/valencia/1466846166_332535.html (30-III-2017).

7 MACK, Heinz. “Telemack [Ausschnitt]”. En: https://vimeo.com/87759499 (12-IV-2017).

8  VÁZQUEZ, Cristina. El País.2016 (nota 6), (30-III-2017).

Nohemi Serrano Salom

Graduada en Historia del Arte de la Universitat de València

 

La expresión artística del ser humano es consecuencia de un proceso gradual y sucesivo. En sus inicios, el ser humano prehistórico realiza sus primeras “obras gráficas” de un modo infantil y espontáneo. Según afirma Giedion:

    En sus inicios, el arte primitivo carece de composición, es arbitrario, caótico,                              acumulativo y con formas aisladas contrapuestas al caos. Carece de marco, es                          liberta absoluta y está relacionado como una continuidad. Más adelante se pierde                  la concepción multidireccional y prima la orientación y el predominio de la vertical (1).

 Con posterioridad, la línea vertical asumirá el eje de simetría en la actividad compositiva de los artistas. Con ella, el hombre pretende otorgar cierto orden al caos compositivo de la técnica primigenia. Se pretende dibujar un eje imaginario, a los lados del cual se sitúan adecuadamente los demás elementos para definir conjuntos más o menos coherentes. La definición de simetría procedente del latín symmetrĭa, y del griego συμμετρία. Es la correspondencia exacta que se verifica en la forma, el tamaño y la posición de las partes de un objeto considerado como un todo. El concepto resulta afín a distintas disciplinas como la geometría, el dibujo, el diseño gráfico, la arquitectura y las demás artes. Asimismo, puede  encontrarse en ciencias como la biología, la física, la química y la matemática (2).

Existen multitud de variantes de la simetría como la esférica, que ocurre bajo cualquier tipo de rotación; la axial, también llamada rotacional, radial o cilíndrica, que se da a partir de un eje, lo que significa que cualquier giro producido a partir de ese eje no conduce a ningún cambio de posición en el espacio.

Simetría axial  En:  https://www.google.es/s earch?q=simetr%C3% ADa+axial&source=ln ms&sa=X&ved=0ahU KEwiFoeLxrvzTAhXIP RoKHdg1CtYQ_AUIC SgA&biw=1366&bih= 589&dpr=1

Por otro lado, está la simetría reflectiva o especular, definida por la existencia de un único plano donde una mitad es el reflejo de la otra, y la de traslación o traslacional. Posee como función verificar en un objeto o figura cuando este se repite a una distancia siempre idéntica del eje y a lo largo de una línea que puede estar colocada en cualquier posición y que puede ser infinita) (3). Esta última será la utilizada por Heinz Mack en The Sky over Nine Columns.

Simetría: reflexión y rotación. En: https://www.mathsisfun.com/geometry/symmet ry.html

Los artífices buscan nuevas apariencias confiando en el ideal matemático de la simetría. Por ejemplo, en el antiguo Egipto, era muy frecuente emplear esta proporción armoniosa de un todo con un punto central. Se desplegaba una misma imagen de aspecto idéntico a ambos lados de un eje o punto central imaginario. El efecto obtenido simulaba la imagen reflejada en un espejo. Dicho procedimiento fue muy usado por los artistas cuando se pretendía plasmar tranquilidad y armonía, además de ser un recurso idóneo para trasmitir cierta sensación de ritmo a la obra en sí (4).

Cruz Egipcia cruz de la vida Ankh. En:  mundodelmisterioofici al.blogspot.com/

Volviendo a la pieza de Heinz Mack, estas columnas de más de siete metros de altura se encuentran a una distancia fija unas de otras, alineando dentro de la misma, tres hileras idénticas. El autor las utiliza como soporte metafórico del cielo, dándoles multitud de significados como, por ejemplo, el de gnomon gigante. El paso del tiempo representado mediante una columna dorada.

 

Fotografía de Nohemi Serrano Salom

 

Fotografía de Nohemi Serrano Salom

La palabra gnomon proviene del latín gnomon y del griego γνώμων. Se trata de un indicador de las horas en los relojes solares más comunes y su forma más frecuente es una varilla. Otro significado del término es el de un instrumento astronómico, compuesto de una varilla y de un plano o círculo horizontal, que serviría para determinar la acimut y altura del Sol (5).

Gnomon de biomat. En: www.blogodisea.com/que-es- un-gnomon.html

En la Sociedad Española de Astronomía (SEA) se describe como:

    Un palo o estilete clavado en una posición fija, que puede ser el suelo o una                                 pared. Puede estar clavado ortogonal a la superficie o formando un cierto                                     ángulo. Se trata del instrumento astronómico más sencillo que se pueda                                       concebir. Sirve para estudiar el movimiento aparente del Sol a través de la                                   evolución de su sombra. Un  gnomon vertical permite determinar la dirección                             del meridiano del lugar o la dirección de los puntos cardinales. Si se conoce la                             latitud del lugar, un gnomon vertical permite evaluar la oblicuidad de la                                         eclíptica. Usado en ciertas condiciones puede servir para medir la latitud del                               lugar de observación. Un gnomon sencillo sirve también como reloj de Sol. Si                              la orientación del gnomon se elige de manera concienzuda, entonces puede                                servir para construir un reloj de Sol que indique no solo la hora solar local, sino                          también la época del año, los equinoccios y los solsticios. Si se emplazan                                      gnómones en localidades lo bastante separadas y se coordinan las medidas                                del modo adecuado, este dispositivo tan sencillo puede usarse para medir el                                tamaño de la Tierra como lo hizo Eratóstenes en el siglo III antes de nuestra                               era (6).

 En la revista Muy Historia se describe el gnomon como:

     Aparato  utilizado  por  egipcios,  babilonios,  chinos  y  culturas                                                         precolombinas,  el gnomon es una vara clavada vertical en el suelo. El                                           desplazamiento de su sombra, producido por el movimiento del Sol, permite                               determinar la hora y el momento del año (7).

 Como dato curioso, cabe mencionar que uno de los relojes con gnomon de los cuales se tienen datos se realizó en el 1500 a.C en Egipto (8). 

En alguna de las entrevistas realizadas al artista, explica que, la obra se ha realizado teniendo en cuenta los posibles lugares de exposición,  sin olvidar las variaciones lumínicas y los posibles reflejos en el agua. Es más, uno de los atractivos de esta pieza, es la refracción de la luz con sus 850 mil teselas doradas. Con el cambio de ubicación del sol, la columna cambia de tonalidad. Se podría decir que, según la hora del día, presenta un color distinto y, por lo tanto, actúa como un gnomon gigante.

 

Fotografía de Nohemi Serrano Salom

 

Fotografía de Nohemi Serrano Salom

1 SIEGFRIED, Gideon. El presente eterno. Los comienzos del arte. Madrid, Alianza, 1981, p. 30.

2 REAL ACADEMIA ESPAÑOLA.  Diccionario de la lengua española. En: http://www.rae.es/rae.html (18-III-2017).

3 Ibid.

4  DOBLADO, Ana. El Antiguo Egipto. Madrid, Susaeta, 2013. p. 135-137 y 246-248.

5  REAL ACADEMIA ESPAÑOLA, 2001 (nota 2), (18-III-2017).

6 DAVID GALADÍ, Enrique. “Gnomon”, Sociedad Española de Astronomía. En: https://www.sea-astronomia.es/drupal/node/219 (18-III-2017).

7 MUY HISTORIA. “¿Qué es un gnomon?”. En: http://www.muyhistoria.es/curiosidades/preguntas- respuestas/ique-es-un-gnomon (19-III-2017).

8 TE INTERESA SABER. “El primer reloj conocido como gnomon”.  En:  http://www.teinteresasaber.com/2013/07/el-primer-reloj-conocido-como-gnomon-se.html (18-III-2017).